OP ART: ORIGINE, STORIA, CARATTERISTICHE, TECNICHE, RAPPRESENTANTI - ARTE - 2025

Op art è un termine usato per riferirsi all '"arte ottica" o arte ottica e si concentra sulla generazione di illusioni ottiche. È un ramo dell'astrazione geometrica, una fase dell'arte astratta sviluppata a metà del XX secolo.

Parliamo di geometria perché l'op art utilizza modelli, colori e forme per produrre immagini con cui è possibile generare a livello ottico sensazioni di movimento, sfocatura, dissolvenza e altro dinamismo.

Op Art utilizza colori brillanti e contrastanti e utilizza forme geometriche per generare effetti ottici
Immagine di Anthony Mauldin da Pixabay

Fondamentalmente, l'op art usa forme e colori in modo sistematico e preciso. Entrambi gli elementi hanno a che fare con i concetti di prospettiva dell'illusione ottica e l'uso del colore.

Per quanto riguarda la prospettiva dell'illusione ottica o delle illusioni percettive, si può dire che è il fenomeno che si verifica quando un oggetto produce uno stimolo che non viene effettivamente generato in detto oggetto.

Ad esempio, grazie ad un'illusione ottica potremmo vedere un'immagine (oggetto) all'interno della quale si genera un movimento (stimolo non reale), ma in realtà l'immagine è totalmente statica.

Attualmente, il fattore di dinamismo è uno dei più ricercati nelle illusioni ottiche. Gran parte delle sensazioni che l'op art cerca di generare hanno a che fare con l'ambiguità e la contraddizione che possono essere generate nella visione dello spettatore.

Origini e storia dell'arte op

Tra i principali antecedenti dell'arte op è la scuola tedesca di architettura e arti applicate del Bauhaus. Fondata nel 1919 da Walter Gropius, conteneva una disciplina incentrata sullo studio delle principali forme geometriche, il cubo, il triangolo e il rettangolo. Parte delle idee avevano a che fare con la comprensione della natura dell'arte nell'era tecnologica.

Durante la Germania nazista, la scuola Bauhaus chiuse i battenti nel 1933, tuttavia, molti dei suoi seguaci furono i principali influencer per il suo stile per raggiungere nuove terre in Europa e negli Stati Uniti.

Tra gli altri grandi riferimenti c'è lo sviluppo dell'arte cinetica, che divenne popolare durante i primi decenni del XX secolo e che si basa sulla creazione o l'illusione del movimento. L'arte cinetica ai suoi inizi era realizzata solo sotto forma di sculture, tuttavia, intorno agli anni '50 e '60 il modo di portarla su una superficie piana fu messo in dubbio.

Questo viaggio dal mondo 3D al 2D è stato reso possibile utilizzando modelli e linee, sfruttando la natura fallibile o ingannevole dell'occhio umano. All'inizio, le illusioni ottiche del movimento erano realizzate attraverso il contrasto tra bianco e nero.

Successivamente, la gestione del colore all'interno dell'op art ha permesso una comprensione ancora maggiore delle teorie legate allo studio dei colori. In questo modo si può osservare come un colore possa variare visivamente a seconda della sua vicinanza agli altri.

Ad esempio, una figura gialla su sfondo bianco non sarebbe la stessa se avesse invece uno sfondo nero. Nel primo caso, la figura gialla apparirà più chiara e nel secondo approccio apparirà più scura.

Victor Vasarely, Bridget Riley e Richard Anuszkiewicz si distinguono tra i principali artisti emergenti nell'arte op della seconda metà del XX secolo.

caratteristiche

-L'op art si concentra sulla creazione di immagini che consentono un'interazione ottica.

-È un'esperienza percettiva, cioè è correlata al modo in cui funziona la vista umana.

-È creato da effetti generati da motivi, linee, forme e colori.

-In principio, i lavori venivano eseguiti solo in bianco, nero.

-Op art di solito fa uso di colori contrastanti per creare sensazioni diverse.

-Nell'ambito delle opere è possibile percepire l'illusione del movimento, vibrazione, dissolvenza delle forme, diverse intensità di colori, profondità, luminosità e altro ancora.

-L'op art esplora la relazione tra la retina dell'occhio e i processi cerebrali. Alcuni modelli sono in grado di generare una certa confusione tra le due parti del corpo, risultando nella percezione di un effetto ottico.

-Op art è un tipo di arte astratta. Non è rappresentativo, perché non è orientato a rappresentare figure identificabili nella realtà.

tecniche

Uso del bianco e nero

Quando si tratta di immagini senza colore, in op art usa il bianco, il nero e la scala di grigi usando il rapporto tra la figura e lo sfondo. L'obiettivo è che questa relazione sia in tensione o, in una contrapposizione contraddittoria.

L'op art ai suoi inizi era realizzata solo in bianco e nero. Ha usato forme, come linee e motivi per i suoi effetti.
Foto di Gordon Johnson da Pixabay

La giustapposizione ha a che fare con il mettere insieme figure o forme, ma senza sovrapporle, cioè che nessuna è sopra l'altra.

In questo modo, l'op art viene creata attraverso l'uso di linee e motivi che si moltiplicano sulla tela e combinano bianco, nero e grigio. In questo modo lo spettatore osserverà un dinamismo, con illusioni di movimento, luminosità, profondità e altro ancora.

Uso del colore

Per quanto riguarda l'uso del colore, l'op art fa uso dei tipi di interazione dell'occhio con il colore.

-Il contrasto simultaneo. Quando un'area di colore è circondata da un'altra di un colore diverso. Questo effetto generalmente aumenta il contrasto in termini di luminosità e tra i colori.

-Il contrasto successivo. È quel caso in cui un colore viene visto prima di un altro. Succede quando fissi costantemente gli occhi su un colore e poi cambi rapidamente in un altro colore. Il nuovo colore percepito attraverso la visione è il colore complementare. I colori complementari sono quelli che si trovano in posizioni opposte sulla ruota dei colori.

-L'effetto Bezold. Che parla delle differenze che si possono percepire nella tonalità di un colore a seconda dei colori adiacenti, cioè i colori accanto ai quali si trova.

Effetto moiré

Si verifica quando due motivi geometrici reticolari si sovrappongono e creano un nuovo motivo. Il nome di questo effetto deriva da un tipo di tessuto con lo stesso nome che riproduce visivamente una sensazione simile a quella dell'effetto visivo.

Principali gestori

Victor Vasarely (1906-1997)

Era un artista di origine ungherese-francese, ampiamente conosciuto come il padre del movimento artistico. Abbandona gli studi di medicina per dedicarsi alla formazione artistica nel campo della pittura, presso il centro studi Bauhaus di Budapest.

Ha lavorato a lungo nella sua vita come artista grafico. Parte dei suoi riferimenti erano le opere di arte astratta realizzate da Mondrian e Malevich. Le sue opere includono sculture realizzate con illusioni ottiche. Alcuni dei suoi successi più popolari sono:

- Zebra (1937)

- Sophia (1954)

- Vega III (1957)

- Vega-Nor (1969)

- Ambigu-B (1970)

Bridget Riley (1931)

Nata a Londra, nel 1960 inizia le sue esplorazioni artistiche all'interno del mondo dei fenomeni ottici. I suoi primi lavori in bianco e nero l'hanno aiutata a ottenere riconoscimenti, al punto da avere una mostra dedicata solo alle sue opere nel 1962. Alla fine dello stesso decennio inizia a indagare e ad introdurre il colore nelle sue creazioni.

Tra le sue opere più rappresentative ci sono:

- Autunno (1963). Lavoro in bianco e nero. Linee rette.

- Blaze (1964). Lavoro in bianco e nero con linee curve.

- Hesitate (1964). Lavoro con scale bianche, nere e grigie. Forme circolari.

- To a Summer's Day 2 (1980). Lavoro a colori. Linee curve.

- Nataraja (1993). Lavoro a colori. Forme geometriche.

Richard Anuszkiewicz (1930)

È un artista americano contemporaneo, noto per le sue opere realizzate con colori vivaci e composizioni geometriche. Uno dei suoi riferimenti artistici per il lavoro con le illusioni ottiche era Josef Albers, un grande contributore alla teoria del colore.

Anuszkiewicz ha anche esplorato la scultura alla fine della sua carriera. È stato incluso alla Biennale di Venezia e nel 2000 gli è stato conferito il Lee Krasner Prize. Tra le sue opere eccezionali ci sono:

- Deep Magenta Square (1978).

- Tempio della luce arancione (1972).

-Blu Red Duo (2017). Loretta Howard Galler.

- Tempio della lavanda con arancia (2018). Galleria Rosenfeld

- Rainbow Squared Red (2019)

Marina Apollonio (1940)

Uno degli artisti di op art contemporanei più riconosciuti. Originaria dell'Italia, ha studiato all'Accademia di Belle Arti di Venezia, specializzandosi in settori come la grafica, l'industrial e l'interior design. Il suo lavoro incentrato sull'arte operistica e l'arte cinetica prende forma a partire dagli anni '60.

Tra le sue opere più importanti ci sono:

- N ° 28 Gradazione 14 P Forma colore (1972)

- Dinamica circolare 6S84 (1966–1975)

- Dinamica circolare 6R (1965)

- Rosso su verde fluo 6A (1966)

- Gradazione 15 blu / bianco su rosso (1971)

Riferimenti

1. Illusioni percettive. Psicologia della percezione visiva. Università di Barcellona. Recuperato da ub.edu
2. Op Art. Questa immagine ti fa diventare divertente gli occhi? Non preoccuparti, non sei tu - è op art! Tate Kids. Recupero da tate.org.uk
3. Op Art. Riepilogo dell'op art. La storia dell'arte. Recupero da theartstory.org
4. The Editors of Encyclopaedia Britannica (2018). Op Art. Encyclopædia Britannica, inc. Recuperato da britannica.com
5. Op Art History Parte III: Origini e influenze sull'Op Art. Recuperato da Op-art.co.uk
6. Op art. Wikipedia, l'enciclopedia libera. Estratto da en.wikipedia.org
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11. Bridget Riley. Wikipedia, l'enciclopedia libera. Estratto da en.wikipedia.org
12. Hai sentito parlare dell'effetto moiré o moiré? (2015). Recupero da impresum.es