ARTE ASTRATTA: STORIA, CARATTERISTICHE, PITTURA - ARTE - 2024

L' arte astratta è una qualsiasi forma d'arte che si stacca da qualsiasi rappresentazione reale, in modo da creare uno spazio completamente diverso dal naturale. Questa sensazione di astrazione è ottenuta attraverso l'uso di diverse forme geometriche, così come punti, linee e colori puri.

L'astrattismo come corrente artistica è anche conosciuto come arte non figurativa; Ciò significa che questo stile non ha alcun punto di contatto con l'arte rappresentativa tradizionale. Nonostante ciò, questa distanza dalla realtà non implica una negazione, ma piuttosto propone un'opposizione o un contrasto.

The Horseman, di Wassily Kandinsky, 1911

Secondo gli intenditori, per comprendere l'arte astratta è necessario saper distinguere tra figurazione e astrazione, poiché sono concetti totalmente opposti. Per questo motivo, quando queste nozioni artistiche vengono assimilate, è facile distinguere tra un'opera astratta e un'opera figurativa.

Astrazione e figurazione

Il fenomeno dell'astrazione si manifesta quando non è possibile associare l'elemento creato a nessun elemento esistente nella realtà.

Ad esempio, se l'immagine di un albero viene presa e viene sfocata o modificata, questo gioco artistico non può essere considerato astrazione, poiché l'immagine conserva ancora l'essenza della figura originale; cioè, rimane figurativo.

D'altra parte, le immagini che non hanno alcun riferimento reale possono essere prese come un'astrazione. Nel campo dell'arte astratta ci sono diversi aspetti, come l'astrazione geometrica, il formalismo e l'astrazione espressionista. Tuttavia, sono tutti correlati in termini di assenza del vero referente.

Nemmeno quelle figure relative ai sogni possono essere considerate astrazioni poiché, nonostante il fatto che nei sogni e negli incubi possano sorgere immagini surreali (ad esempio, un unicorno), mantiene comunque riferimenti che si possono trovare nella realtà (nel caso unicorno, è un cavallo con un corno).

Distanza dal mondo figurativo

L'astrattismo ha cambiato radicalmente il mondo artistico, perché prima di questo evento, l'arte era stata tenuta sotto la tutela della figurazione nonostante il fatto che durante il XIX e il XX secolo la forma avesse iniziato a confondersi attraverso altri movimenti come l'impressionismo. , Post-impressionismo e cubismo.

Dal tempo in cui l'uomo dipingeva nelle caverne, l'arte è rimasta una ricerca per rappresentare la realtà.

Fino al XX secolo l'artista non era stato in grado di staccarsi dal suo ambiente e contesto, quindi l'arte astratta ha permesso un'apertura nell'episteme di un momento storico che aspirava a grandi cambiamenti sociali e rinnovamento estetico.

L'astrazione può essere associata alla musica, poiché i suoni non possono essere figurativi (nonostante la nomenclatura musicale). Anche i colori e le forme sono astratte, offrendo una vasta gamma di possibilità che non devono necessariamente avere un vero mittente.

Origine e storia

L'arte astratta ha le sue origini in movimenti precedenti come il cubismo e il fovismo; tuttavia, c'è un dipinto in particolare che è servito come punto di partenza per la separazione tra la rappresentazione di oggetti reali e la percezione visiva dei colori.

Quest'opera appartiene al pittore James McNeill Whistler e si intitola Night in Black and Gold: The Falling Rocket. In questo dipinto del 1874 è possibile vedere una gamma di colori scuri ed è difficile trovare direttamente forme umane o costruzioni architettoniche.

Ciò che si apprezza facilmente sono le pennellate di luci e ombre, così come i punti dorati che sembrano evocare uno spettacolo pirotecnico.

Influenza del cubismo, espressionismo e fovismo

Con l'apparizione delle opere di Pablo Picasso e Georges Braque, è stato consentito un forte ingresso alle forme geometriche e ai colori piatti. Allo stesso modo, anche Paul Cézanne si è avventurato nella creazione di una realtà alternativa; cioè ha lavorato a una ricostruzione del figurativo.

A loro volta, gli artisti espressionisti si sono presi la responsabilità di sfruttare - anche in modo grottesco - l'intensità della tavolozza dei colori e delle forme. I suoi dipinti sono considerati dalla critica come un trabocco di passioni, che si sono manifestate in modo reazionario prima di un periodo di grande costernazione sociale.

Allo stesso modo, un'opera come The Scream di Edward Munch è essenziale per lo sviluppo di quella che in seguito divenne l'arte astratta o non figurativa del XX secolo. Viene preso in considerazione anche il dipinto intitolato L'ingresso di Cristo a Bruxelles, di James Ensor.

Altri grandi esponenti dell'avanguardia, come Paul Gauguin, Henri Matisse e Georges Seurat, sono considerati un'ispirazione fondamentale per quello che in seguito divenne il più grande rappresentante dell'astrattismo, Vasili Kandinsky.

Questo perché il linguaggio del colore grezzo, insieme alle sue diverse pennellate, ha fortemente influenzato il celebre pioniere.

Da Baudelaire a Mallarmé: tentativo di prendere le distanze dal referente

Nel mondo della scrittura, anche diversi movimenti stavano fermentando con lo scopo di rompere con il stabilito e porre fine a qualsiasi riferimento reale. Nel campo delle lettere, questa separazione è stata un po 'più difficile, poiché nella mente umana le parole cercheranno sempre di essere supportate dal loro referente.

Tuttavia, questi poeti hanno raggiunto il legame con l'interiorità della forma attraverso l'immagine acustica della parola, staccandosi dal concetto a cui si riferisce.

Il grande poeta della modernità Charles Baudelaire è stato incaricato di gettare i semi dell'idea che tutti i sensi reagiscano a determinati stimoli artistici, poiché questi sono collegati da un profondo livello estetico che risiede nel subconscio dell'essere umano.

In altre parole, tutte le arti hanno la capacità di risvegliare determinate sensazioni nell'occhio, nell'orecchio e nella mente di chi le percepisce, senza la necessità di rispondere ad un vero referente.

Allo stesso modo, i famosi poeti francesi come Stéphane Mallarmé, Arthur Rimbaud e Guillaume Apollinaire hanno cercato di prendere le distanze dalla forma referenziale per concentrarsi sul godimento del suono delle parole e su ciò che possono evocare nel lettore senza dover fare riferimento a un concetto.

Ciò significa che si tratta di modificare la struttura mentale del lettore in modo che si distacchi dai parametri stabiliti e osi combinare e creare sensazioni diverse attraverso il suono delle sillabe. Pertanto, è un'astrazione all'interno della scrittura.

Gli acquerelli musicali di Claude Debussy

Come l'antenato musicale di quella che più tardi fu arte astratta è il grande compositore Claude Debussy, i cui brani musicali sembravano imitare le pennellate dei pittori impressionisti e postimpressionisti.

Allo stesso modo, questo compositore è anche associato al movimento simbolista, poiché le sue note erano costituite da una forte carica allegorica, accompagnata a sua volta da una notevole influenza orientale.

Ciò significa che, per musicisti come Debussy ed Erik Satie, gli oggetti che si osservano nella vita di tutti i giorni sono solo simboli che rispondono a una realtà molto più profonda, che si manifesta all'essere umano attraverso il suono accompagnato dal colore e dal movimento. .

Caratteristiche dell'arte astratta

Cerca di catturare l'essenza

Sebbene abbia aspetti diversi, il movimento astrattista è caratterizzato principalmente dalla ricerca dell'essenza primitiva degli oggetti.

Pertanto, l'arte astratta cerca di catturare nelle sue manifestazioni artistiche l'esplorazione della coscienza e dell'incoscienza ai suoi livelli più puri.

La libertà

Un'altra delle sue caratteristiche principali è la libertà di applicazione di tecniche ed elementi e il significato di tali risorse.

Ad esempio, questo vale chiaramente nel campo del colore: i colori hanno una propria espressività artistica, senza la necessità di fare riferimento a un concetto reale.

Assenza di forme reali

L'astrattismo manca di forme reali; vengono utilizzate solo figure geometriche, poiché è uno stile che fa appello a una semplicità formale totalizzante.

Pittura

-Vasili Kandinsky

Per molti critici, l'arte astratta inizia con le opere di Vasili Kandinsky; Tuttavia, va notato che nel 1910 divennero famosi alcuni marmi venati francesi, il che può essere considerato l'inizio dell'astrazione.

Tuttavia, secondo gli intenditori, l'importanza di Kandinsky nella storia dell'arte è innegabile. Questo pittore aveva un'eredità di sangue orientale, che ha usato come ispirazione per le sue opere.

Inoltre, lo stesso artista ha ammesso di essersi ispirato alle mitiche cattedrali di Mosca; Secondo lui, l'architettura colorata della città era composta da scontri artistici nell'aspetto esterno, che riflettevano un'armoniosa interiorità estetica e culturale.

Durante il suo lavoro artistico, Kandinsky ha sostenuto la ricerca dell'essenza primordiale della forma. Per questo il suo lavoro si può riassumere in tre parole: colore, percezione e sensazione.

Di conseguenza, si può stabilire che l'arte astratta è una concessione che presuppone una condizione mistica dell'assoluto; vale a dire, è impegnata in una continua evoluzione ideologica e filosofica.

The Horseman, di Vasili Kandinsky

Il primo acquerello astratto

Per raggiungere la totalità estetica di questi tre presupposti, l'autore ha promosso l'uso di elementi plastici di base, come il punto - l'elemento primario all'interno dell'opera pittorica-, la linea, il piano e il colore.

Attraverso le associazioni ei collegamenti tra questi elementi, ha ottenuto percezioni o sensazioni nuove e diverse per l'occhio umano.

Tenendo conto di ciò, si può dire che l'arte astratta è nata nel 1910 con il primo acquerello astratto di Kandinsky. In questo dipinto puoi vedere forme colorate, linee e valori plastici senza associazione con la realtà; In altre parole, è un'opera composta da elementi non figurativi.

Inoltre, se lo spettatore osserva attentamente questo lavoro, può percepire che il dipinto è composto principalmente da colori primari e secondari, principalmente blu e rosso. Spiccano anche pennellate di toni grigiastri, che creano un contrasto con la vivacità degli altri colori.

Acquerello astratto di Kandinsky

-Piet Mondrian

Questo famoso pittore olandese non si è specializzato nei suoi inizi nell'astrattismo, ma ha lavorato prima su altri stili come il naturalismo e il simbolismo. Nonostante la pluralità di stili, le sue arti plastiche sono rimaste influenzate dai suoi studi filosofici e spirituali.

Nella ricerca per trovare l'essenza vitale delle cose, Mondrian ha giocato in modo particolare con l'astrazione geometrica per trovare la strutturazione fondamentale dell'universo nei suoi dipinti.

Per questo le sue opere sono denotate principalmente dal colore bianco - considerato un “non colore” per la totale presenza della luce e di tutti i colori- e dal colore nero, considerato anche un “no- color ”per la totale assenza di luce e la presenza di tutti i colori.

Una delle sue opere più famose, legata anche all'architettura astratta, è il dipinto intitolato Composizione in rosso, giallo, blu e nero, che realizzò nel 1921.

In questo puoi vedere una serie di figure rettangolari di diverse dimensioni e colori; Tuttavia, la tavolozza è piuttosto semplice e primaria: come suggerisce il nome, sono i colori rosso, giallo, blu e nero, che possono ricordare i dipinti dell'espressionista Mark Rothko.

Composizione in rosso, giallo, blu e nero, di Piet Mondrian

Scultura

La scultura non era molto indietro nel movimento astrattista; ha infatti introdotto una novità nello stile: la tridimensionalità. Questo perché nella pittura astratta le figure sono sempre piatte, mentre nella scultura viene promossa la profondità della forma.

-Henry Moore

Uno dei suoi principali esponenti fu lo scultore britannico Henry Moore, le cui figure monocromatiche sembrano avere movimento e mantenere una leggera ispirazione romantica e vittoriana, secondo lo stesso artista.

Moore ha anche ammesso di essere stato influenzato da grandi artisti del Rinascimento come Giotto, Michelangelo e Giovanni Pisano. Inoltre, l'autore è rimasto stupito dalle forme delle sculture precolombiane Tolteche e Maya.

Le sue numerose forme astratte erano scolpite principalmente in marmo e bronzo. All'inizio della sua carriera, Moore ha applicato la scultura diretta; Tuttavia, negli anni Quaranta lo scultore decise di iniziare con la modellatura in gesso o argilla, applicando anche la tradizionale e antica modellatura a "cera persa".

Onde

Le sue sculture hanno come caratteristica principale l'uso di forme ondulate e spazi vuoti, ispirazione che, secondo la critica, avrebbe acquisito dai paesaggi della contea inglese dello Yorkshire, sua terra natale.

Nonostante il fatto che la pittura astratta proponga l'eliminazione del figurativo, nelle opere di Henry Moore si possono percepire astrazioni che non sono completamente distaccate dalla figura umana. Puoi anche distinguere la rappresentazione del corpo femminile e le figure materne.

Una delle opere più note di Moore si chiama Three Way Piece No.2, che si trova nella Toronto City Hall Plaza ed è stata realizzata nel 1964.

Questo pezzo scultoreo monocromo è uno di quelli che meglio si adatta ai precetti dell'astrazione, poiché la sua forma non può essere direttamente collegata a nessun riferimento reale.

Three Way Piece No.2 (The Archer) (1964-65) Toronto City Hall Plaza

-Richard Serra

Un altro grande esponente della scultura astratta è il celebre artista plastico Richard Serra, di nazionalità americana. Questo artista, ancora vivo, è considerato dalla critica come uno dei migliori scultori del nostro tempo.

Serra è uno scultore dal carattere minimalista che preferisce lavorare con enormi pezzi di acciaio al platino, il che rende il suo lavoro estetico più ammirevole.

La prima fase dell'artista è quella che meglio corrisponde agli ideali astrattisti, per i quali ha utilizzato per lo più materiale di piombo fuso.

Opere in acciaio

È anche noto per la realizzazione di grandi strutture rettangolari in acciaio. Uno dei più famosi è il cosiddetto Tilted Arc, che è alto 3,5 metri e ha una suggestiva e sottile curvatura. Questa scultura può essere vista oggi nella Federal Plaza di New York City.

Un'altra scultura astratta molto acclamata dalla critica artistica è conosciuta come Snake, che è composta da tre strati di acciaio che hanno anche una curvatura (le curve all'interno delle forme geometriche sono le caratteristiche più rappresentative di questo artista). L'opera si trova nel Museo Guggenheim di Bilbao.

Una delle opere più riconosciute e meglio lavorate di Serra si chiama The Matter of Time, che è composta da sette notevoli sculture di grandi dimensioni, realizzate con il materiale preferito dell'artista: l'acciaio corten.

Queste figure sono costituite interamente da forme rotonde e oblique, che ricordano le forme della natura e il carattere rotondo e ingannevole del tempo come costruzione umana.

Arco inclinato

Architettura

Nel corso del XX secolo, la ricerca dell'essenza e delle forme primitive si è manifestata anche all'interno della disciplina architettonica. Per questo nell'architettura astratta dominano figure geometriche e piatte, anch'esse realizzate in chiave minimalista.

Allo stesso tempo, l'architettura appartenente a questo stile estetico cerca di avvicinarsi al vero valore della forma, staccandola dal caos e dall'arbitrio della realtà quotidiana. All'interno di questi elementi, il pezzo architettonico si ispira alla natura ma emerge sempre più nella sua ricerca della semplicità dello spirito artistico.

In architettura è necessario adeguare i principi dell'astrazione pittorica poiché, come la scultura, richiede una realizzazione tridimensionale della forma. Inoltre, prima che l'infrastruttura venga realizzata, è necessario che l'artista si chieda se la forma che desidera produrre possa essere realizzata nella realtà concreta.

Generalmente, l'architettura astratta è composta da grandi finestre rettangolari e da forme quadrate semplici e solide.

-Mies van der Rohe

Uno degli architetti astratti più noti è il tedesco-americano Mies van der Rohe, passato alla storia come uno degli artisti più importanti dell'architettura moderna. È stato direttore della nota scuola tedesca Bauhaus; tuttavia, ha dovuto lasciare l'incarico a causa dell'ingresso del nazismo.

La sua architettura è riconosciuta per la sua semplicità e chiarezza, caratteristiche molto tipiche dell'astrattismo. Inoltre, i materiali preferiti dell'artista erano l'acciaio industriale e notevoli lastre di vetro, che ha utilizzato per gli interni della facciata.

Una delle sue opere più famose è a Barcellona e prende il nome dal Padiglione tedesco, completato nel 1929. La sua architettura è composta da semplici figure geometriche e attira l'attenzione per le sue dimensioni modeste. Consiste in una pianta libera e mantiene notevoli influenze di neoplasticismo.

Tedesco Pabello. Di Tassilirosmar, da Wikimedia Commons

-Gerrit Rietveld

Gerrit Rietveld era un rinomato artista plastico che aveva diverse sfaccettature, poiché si distingueva non solo nell'architettura ma anche nella falegnameria e nel design. I suoi progetti di utensili, come la sedia rossa e blu del 1918, denotano il carattere moderno e geometrico come elemento del tempo.

La sua opera architettonica più famosa e più simile all'estetica astratta è la cosiddetta Casa Rietveld Schröder, costruita nel 1924. Oggi, questo luogo è utilizzato come museo.

Per quanto riguarda le sue caratteristiche, sia l'interno che l'esterno della casa comportano una modifica con tutti i precedenti parametri architettonici; da qui l'importanza del lavoro.

All'interno della casa non ci sono stanze, c'è solo un ampio spazio aperto. La facciata esterna è composta da linee e piani, spaziati e colorati in modo da creare qualcosa di diverso.

Rietveld Schröderhuis. Di Basvb, da Wikimedia Commons

Musica

Come accennato nei primi paragrafi, è importante ricordare che la musica stessa è astratta, poiché non può essere figurativa anche se ha una nomenclatura simbolica per le partiture.

Pertanto, la musica astratta non può esistere come movimento artistico. Tuttavia, esiste uno stile musicale noto con il nome di musica assoluta, che consiste in quelle opere musicali che non hanno alcuna aggiunta musicale extra; cioè non sono collegati a nessun testo.

In altre parole, la musica assoluta manca di poesia e testi, è una composizione meramente strumentale; pertanto, tutta la musica priva di lirica può essere considerata appartenente a questo genere. Alcuni esempi possono essere trovati nelle sonate, nelle sinfonie o in un concerto.

Nel corso del XX secolo ci sono stati diversi compositori che si sono distinti per le loro innovazioni artistiche musicali e che hanno coinciso con gli inizi dell'astrattismo. Tra i più importanti ci sono Igor Stravinsky e Maurice Ravel.

-Igor Stravinsky

Stravinsky era un direttore e compositore nazionale russo, considerato uno dei migliori musicisti del XX secolo. Dato che ha vissuto fino a 89 anni, ha avuto l'opportunità di esplorare diversi aspetti musicali; tuttavia, le sue opere più riconosciute furono quelle realizzate durante i suoi primi anni di carriera artistica.

Una delle sue composizioni più acclamate si chiama The Firebird, un balletto che fu presentato per la prima volta nel 1910 a Parigi.

-Maurice Ravel

Come Claude Debussy, questo celebre compositore francese si è distinto nella cosiddetta musica impressionista, caratterizzata dalle sue influenze orientali e dall'evocazione dei colori attraverso i suoni. Ravel mantenne anche tratti di espressionismo e neoclassicismo.

Questo musicista è acclamato per varie opere, e uno dei suoi pezzi più eseguiti è il Bolero, che ha debuttato a Parigi nel 1928; da quel momento il successo di questa composizione fu enorme e universale. Il suo movimento orchestrale si ispira all'accesa danza spagnola, molto popolare in quel momento.

Riferimenti

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