OSWALDO GUAYASAMÍN: BIOGRAFIA E OPERE - ARTE - 2025

Oswaldo Guayasamín (1919-1999) è uno degli artisti più importanti dell'America Latina, le cui opere sono state esposte nelle sale più importanti del mondo. La sua arte ha un profondo sentimento indigeno con una posizione ideologica e pittorica caratteristica del continente americano: il realismo sociale.

Nato a Quito e formato secondo i tradizionali canoni dell'arte, Guayasamín ha rotto con quegli schemi per catturare la realtà dei popoli indigeni dell'America Latina che hanno subito l'oppressione, così come gli attacchi della colonia e l'incrocio di razze.

Fonte: modernsilver.com

In uno stile espressionista, le creazioni di questo artista ecuadoriano sono state nutrite dai muralisti messicani in termini di espressività, uso del colore e forza che trasmettono, per lasciare all'osservatore la sensazione dell'energia vitale dell'autore e, in questo modo, rendi nota la tua protesta.

Oltre a quell'essenza indigena, il suo lavoro si caratterizza anche per l'appropriazione di tendenze d'avanguardia come il cubismo e l'espressionismo, senza perdere il realismo di mostrare una realtà della violenza che ha denunciato.

Ha realizzato mostre imponenti - più di 200 singole - nei più importanti musei del mondo, come Francia, Spagna, ex Unione Sovietica, Cecoslovacchia, Polonia, Messico, Cile e Argentina.

Guayasamín è anche noto per fare amicizia con personaggi di livello mondiale, come il poeta Pablo Neruda, Fidel Castro, Gabriela Mistral, il re Juan Carlos di Spagna, Gabriel García Márquez e Carolina de Mónaco, tra gli altri che ha interpretato.

Nel 1991, il governo dell'Ecuador ha riconosciuto il prolifico lavoro dell'artista e il suo contributo all'arte mondiale, motivo per cui ha deciso di creare la Fondazione Guayasamín, a cui il pittore ha donato tutte le sue creazioni e collezioni d'arte.

Biografia

Oswaldo Guayasamín è nato a Quito il 6 luglio 1919 ed era il fratello maggiore di una famiglia di dieci persone. Suo padre, José Miguel Guayasamín, era un indigeno della tribù quechua; mentre sua madre, che si chiamava Dolores Calero, era meticcia.

Fin da giovanissimo ha dimostrato il suo amore per la pittura realizzando caricature dei suoi compagni di classe e realizzando poster per il negozio di sua madre. Inoltre dipingeva quadri su pezzi di cartone che vendeva ai turisti per pagarsi gli studi.

Nonostante la ferma opposizione del padre, il giovane Guayasamín si iscrive alla Scuola di Belle Arti dell'Ecuador, dalla quale si diploma come pittore e scultore nel 1941, ricevendo anche il riconoscimento di essere il miglior studente della sua classe.

Appena un anno dopo la laurea, è riuscito a tenere la sua prima mostra nella capitale ecuadoriana. Questa mostra è stata segnata dal suo carattere di denuncia sociale, che ha suscitato grande scalpore tra il pubblico e la critica dell'epoca.

Con quello stile particolare, il giovane Guayasamín riuscì ad affascinare Nelson Rockefeller, che gli comprò diversi dipinti e lo sostenne nel suo futuro.

Internazionalizzazione

Dopo quella controversa mostra e con il sostegno di Rockefeller, Guayasamín si è trasferito negli Stati Uniti, dove ha anche esposto i suoi dipinti. Durante i 7 mesi di permanenza, ha visitato tutti i musei che ha potuto per entrare in contatto diretto con l'opera di El Greco, Goya, Velásquez e quella dei muralisti messicani Diego Rivera e Orozco.

Con i soldi che è riuscito a fare, si è recato in Messico per incontrare un grande maestro, il muralista Orozco, che, colpito dal suo talento, gli ha permesso di essere suo assistente. Durante questa visita conosce anche Diego Rivera e da entrambi apprende la tecnica della pittura all'aperto. In Messico stringe amicizia con Pablo Neruda.

Nel 1945 compie un viaggio epocale: dal Messico alla Patagonia. In questo viaggio, ha girato ogni città e paese per prendere appunti e disegnare quella che era la sua prima serie di 103 dipinti chiamata Huacayñan, che in quechua significa "La via del pianto", il cui tema è sul nero, l'indiano e il meticcio .

In questo modo tutto il suo lavoro ha iniziato a ruotare intorno al tema indigeno, sull'oppressione e la violenza di cui sono state vittime le popolazioni indigene.

L'opera monumentale El camino del llonto è stata realizzata grazie al sostegno che la Casa de la Cultura ha dato a Guayasamín.

Questa serie fu esposta per la prima volta a Quito nel 1952 al Museo de Arte Colonial, e nello stesso anno a Washington ea Barcellona (Spagna), durante la III Bienal Hispanoamérica de Arte. In quest'ultima manifestazione gli è stato conferito il Gran Premio per la Pittura.

Presenza in grandi edifici

Oltre ad avere mostre monumentali nei principali musei del mondo, il lavoro di Guayasamín è presente anche in grandi costruzioni.

Ad esempio, un murale in mosaico di vetro veneziano è stato nel Centro Simón Bolívar di Caracas dal 1954, che si chiama Tribute to the American Man.

Per il suo paese natale ha realizzato due impressionanti murales nel 1958. Il primo è La scoperta del Rio delle Amazzoni, anch'esso realizzato in mosaico veneziano, che si trova nel Palazzo del Governo di Quito. L'altro è stato realizzato per la Facoltà di Giurisprudenza dell'Università Centrale dell'Ecuador, che si chiama Storia dell'uomo e della cultura.

Nel 1982 viene inaugurato all'aeroporto Barajas di Madrid un murale di oltre 120 metri dipinto da Guayasamín con polvere di marmo e acrilici. Questa monumentale opera ha due parti: una è dedicata alla Spagna e l'altra all'America.

Il suo lavoro è presente anche presso le sedi Unesco di Parigi e San Paolo. I suoi monumenti adornano anche l'Ecuador: una giovane patria è a Guayaquil e una resistenza a Quito.

Principali riconoscimenti e morte

Grazie al suo lavoro prolifico, al suo carattere di denuncia sociale e alla sua importanza universale, Guayasamín ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti per la sua carriera.

Il suo lavoro è stato riconosciuto in tutto il mondo grazie al fatto che nel 1957 ha ricevuto il premio come miglior pittore del Sud America, che gli è stato assegnato dalla Biennale di San Paolo, in Brasile. Ciò ha segnato il consolidamento della sua internazionalizzazione.

Nel 1976, insieme ai suoi figli, ha creato la Fondazione Guayasamín per donare il suo patrimonio artistico all'Ecuador. Attraverso questa fondazione ha potuto organizzare tre musei: arte precolombiana, arte colombiana e arte contemporanea.

È stato nominato membro dell'Accademia Reale di Belle Arti di San Fernando in Spagna e membro onorario dell'Accademia delle Arti in Italia. È stato anche nominato vice presidente e successivamente presidente della Casa della Cultura di Quito nel 1973.

Inoltre, è stato il primo artista latinoamericano a ricevere una decorazione dal governo francese; Questo è successo nel 1974.

Morì il 10 marzo 1999 senza aver completato la sua opera più grande, La capilla del hombre, concepita dall'artista come un omaggio all'umanità, in particolare al popolo latinoamericano. È un museo d'arte costruito a Quito che mira a riunire l'arte latinoamericana dal Messico alla Patagonia.

La Cappella dell'Uomo, Quito. Bernard Gagnon, da Wikimedia Commons La prima fase dello spazio architettonico monumentale è stata inaugurata nel 2002. L'Unesco l'ha dichiarata una "priorità per la cultura", per la quale ha ricevuto numerosi contributi da altri Stati e da altri artisti di rilievo nel mondo.

Riproduce

La produzione di Guayasamín è segnata fin dall'inizio dal suo profondo spirito indigeno ed è carica di un alto contenuto di denuncia sociale. In questo modo ha potuto varcare i confini dei canoni tradizionali e diventare uno dei più strenui difensori delle popolazioni indigene dell'America Latina.

Per sviluppare il suo stile personale, ha bevuto dall'influenza dei muralisti messicani, in particolare dal suo maestro Orozco. Fu anche un fervente esponente dell'espressionismo, che diede alla sua intera creazione un tocco umanista riflettendo il dolore e la sofferenza subiti da buona parte dell'umanità.

In questo modo, il lavoro di Guayasamín è parte di quella corrente espressionista in cui la realtà espressiva conta di più senza occuparsi della realtà esterna, ma piuttosto delle emozioni che risveglia nell'osservatore.

Per questo il pittore afferma che “la mia pittura è ferire, graffiare e colpire il cuore delle persone. Per mostrare cosa fa l'uomo contro l'uomo ”. Ciò è particolarmente evidente nei loro volti sfigurati e tristi che trasmettono con forza il dolore della loro gente.

In questo senso, il suo lavoro è centrato sulla figura umana, con colori vibranti e temi sociali.

Nonostante abbia adattato il suo lavoro alle esperienze e alle tecniche lasciate dal contatto con i grandi artisti del tempo, ha sempre mantenuto l'espressione del sentimento umano sulla sua tela. In tutta la sua creazione si possono differenziare tre età, che sono le seguenti:

Il modo di piangere

La Fondazione Guayasamín è riuscita a raccogliere alcune delle prime creazioni dell'artista, che ha iniziato a dipingere e disegnare all'età di 7 anni. Quando è entrato alla Scuola di Belle Arti all'età di 12 anni, ha affascinato insegnanti e compagni di classe con il suo virtuosismo. Già a quell'età inizia a occuparsi di questioni sociali che in seguito hanno segnato tutta la sua carriera.

Quella che viene considerata come la sua prima fase è quella che viene chiamata la sua prima serie: Il percorso del pianto.

Questa tappa si svolge tra il 1945 e il 1952 e si concentra principalmente sul viaggio che ha fatto con i suoi amici in tutto il Sud America, in cui si è fermato a visitare ogni città per apprendere la loro realtà.

Grazie agli appunti e ai disegni che ha realizzato durante il viaggio, ha lasciato in eredità al mondo Huacayñan, o El camino del llonto, la sua prima serie di 103 dipinti in cui cattura il problema degli indiani, neri e meticci attraverso archetipi universali che compaiono nelle ambientazioni. con simboli ancestrali, come la luna, il sole e le montagne.

Con tutto il suo carico simbolico universale, questa serie è stata quella che gli ha dato un posto nelle arti mondiali.

L'età della rabbia

In questa fase che si è sviluppata negli anni '60, Guayasamín ha dimostrato che il contenuto estetico non è ciò che è importante nel suo lavoro ma il contenuto sociale, il messaggio di un uomo contro l'oppressione, la violenza e la sofferenza.

L'origine di questa denuncia risale a quando in gioventù un amico d'infanzia fu assassinato dalla repressione a Quito. Da lì l'artista ha iniziato la crociata per ritrarre la violenza dell'uomo contro l'uomo per lasciare un messaggio di ribellione e di lotta all'alienazione.

Questa ribellione si manifesta negli occhi delle sue figure, che invocano un cambiamento. Le loro figure hanno una smorfia di dolore nonostante la serenità che mostrano, le loro mani invocano speranza. Tutto questo si riflette con enormi pennellate verticali per segnare ulteriormente il dolore.

Con questo lavoro, Guayasamín ha scosso il mondo esponendo tutta la crudeltà dell'uomo durante il XX secolo. Per questo è riuscito ad esporre nelle principali città occidentali del mondo, suscitando scalpore sia nella critica che nella comunità.

Di tenerezza

Questo ciclo è iniziato negli anni Ottanta come omaggio a sua madre, una figura trascendentale della sua vita alla quale ha dichiarato il suo amore e la sua gratitudine per averlo sempre sostenuto.

Questa serie segna un cambiamento nel lavoro dell'artista senza che questo significhi che le figure, ora più serene di prima, perdano in qualche modo il loro messaggio di denuncia e critica.

The Age of Tenereerness, o While I Live I Always Remember You, è composto da 100 opere il cui centro è un omaggio a sua madre; infatti si riferisce in generale alla figura materna inclusa la Madre Terra.

Anche questo set è considerato un inno ai diritti umani. È l'ultimo lavoro che lo ha occupato, dal 1988 al 1999.

Per il suo peculiare stile estetico, ma soprattutto per il suo tema incentrato sul lasciare un messaggio di ribellione e denunciare l'umanità, Guayasamín è riuscito con la sua arte a varcare i confini del suo nativo Ecuador e ad occupare un posto d'onore nelle arti universali.

Questo grazie al fatto che la sua creazione ha una particolare espressività del tempo che ha dovuto vivere, per trasmettere un messaggio che ha risvegliato la coscienza dell'umanità ed è riuscito a generare il grido di ribellione.

Riferimenti

1. «Biografia» a Capilla del Hombre. Estratto il 10 gennaio 2019 da Capilla del Hombre: capilladelhombre.com
2. Buitrón, G. «Oswaldo Guayasamín» (agosto 2008) in «Saggi sull'immagine» dell'Università degli Studi di Palermo. Estratto il 10 gennaio 2019 dall'Università degli Studi di Palermo: palermo.edu
3. "Oswaldo Guayasamín, pittore di lacrime, rabbia e tenerezza" in Muy historia. Estratto il 10 gennaio 2019 in Muy historia: muyhistoria.es
4. "Oswaldo Guayasamín" in Biografie e vite. Estratto il 10 gennaio 2019 in Biografie e vite: biografiasyvidas.com
5. "Oswaldo Guayasamín" in Encyclopedia Britannica Estratto il 10 gennaio 2019 in Encyclopedia Britannica: britannica.com
6. "Oswaldo Guayasamín" in Storia-biografia. Estratto il 10 gennaio 2019 in Historia-biografia: historia-biografia.com
7. Sciorra, J. «José Sabogal e l'identità della rivista Amauta» (novembre 2013) nell'archivio istituzionale dell'UNLP. Estratto il 10 gennaio 2019 dal Repository istituzionale dell'UNLP: sedici.unlp.edu.ar