PITTURA ROMANA: ORIGINI, CARATTERISTICHE, TEMI, OPERE, AUTORI - ARTE - 2025

La pittura romana è l'espressione pittorica e artistica sviluppata dalla cultura romana durante l'antichità classica. Generalmente veniva eseguito sui muri delle case delle famiglie più facoltose, quindi era caratterizzato dall'affresco. Tuttavia, ci sono anche registrazioni di pittura a bordo.

Una delle caratteristiche dell'arte romana è che ha avuto inizio contemporaneamente con l'arte etrusca e con quella delle piccole colonie greche - dalla cui cultura è stata direttamente ispirata. Per questo motivo nei territori romani si ritrovano elementi pittorici delle varie culture mediterranee.

La pittura romana è la manifestazione artistica e pittorica sviluppata dalla cultura romana durante l'antichità classica. Fonte: pixabay.com

Poiché si tratta principalmente di pittura ad affresco, cioè pittura murale, non sono state conservate molte espressioni pittoriche romane. I resti rinvenuti, infatti, sono molto piccoli e sono costituiti principalmente dalle strutture rinvenute durante gli scavi di Pompei ed Ercolano.

Tuttavia, la pittura romana in una forma più ridotta si avvaleva di altre tecniche, come la decorazione dei vasi e la miniatura su pergamena.

A loro volta, i romani realizzarono anche mosaici, sebbene questi fossero usati principalmente sui pavimenti. Questa circostanza cambiò durante l'era bizantina, dove avvenne una riscoperta del mosaico come espressione artistica.

Per quanto riguarda i suoi temi, la pittura romana era incentrata su elementi religiosi, mistici e storici; Questo con l'obiettivo di registrare le proprie convinzioni ed esperienze per farle durare nel tempo e trasmetterle di generazione in generazione.

Tuttavia, anche i romani apprezzarono molto il carattere ornamentale dell'arte, quindi cercarono la simmetria e l'armonia delle forme. Hanno preso questa convinzione dai greci, che hanno imitato in quasi ogni aspetto della vita.

origini

Come accennato nei paragrafi precedenti, l'arte romana nasce dall'influenza dell'arte etrusca e greca, a cui i romani si avvicinarono quando incontrarono le colonie situate in Magna Grecia.

Allo stesso modo, l'influenza greca aumentò durante il II secolo a.C. C., dopo che i Romani invasero la Macedonia e la Grecia con l'obiettivo di aumentare l'unione territoriale della penisola.

Nonostante le notevoli imitazioni dei romani, non si può dire che tutta la loro produzione artistica consistesse nella copia, poiché l'epistemologia dominante nella penisola era molto diversa dal modo di pensare dei greci.

Ad esempio, le manifestazioni romane avevano un'inclinazione urbana e bellicosa, che univano al senso estetico dei popoli vinti. In altre parole, mentre i romani acquisivano il gusto raffinato di altre culture, il loro interesse artistico era molto più pratico e con spiccate tendenze militari.

Allo stesso modo, l'arte romana non ha avuto evoluzioni notevoli (a differenza dell'arte greca, che è stata divisa in tre grandi periodi, arcaici, classici ed ellenistici). D'altra parte, le sue manifestazioni artistiche erano abbastanza uniformi; questo come conseguenza del forte centralismo che l'impero esercitò durante il suo periodo di massimo splendore.

Tuttavia, gli autori sono stati in grado di stabilire quattro fasi o stili all'interno delle espressioni pittoriche romane:

Stile intarsio (primo periodo)

Questa fase ha le sue influenze dal periodo ellenistico e può essere collocata cronologicamente nel II secolo a.C. La sua estetica si basa sulla decorazione delle pareti in marmo, dove l'oggetto pittorico era diviso in tre fasce disposte orizzontalmente.

La fascia inferiore fungeva da zoccolo, mentre la fascia centrale a sua volta si scomponeva in altri strati colorati. Infine, la fascia superiore era costituita da un fregio bianco che completava l'intera rappresentazione.

Questi dipinti possono essere visti solo nelle rovine di Pompei, dove erano meglio conservati.

Stile architettonico (secondo periodo)

Questo periodo pittorico è emerso nel I secolo a.C. C. e si estese fino agli inizi dell'Impero Romano. È stato chiamato "stile architettonico" in quanto gli artisti hanno rivelato un interesse ad aprire le pareti per costruire una certa nozione di prospettiva, offrendo allo spettatore un semplice senso di profondità.

Per ottenere questo effetto, i pittori hanno introdotto architetture dipinte, cioè hanno dipinto colonne, finestre, trabeazioni e nicchie, che generalmente portavano a un paesaggio o giardino immaginario. Di questi esemplari alcuni affreschi sono stati conservati a Roma e Pompei.

Stile ornamentale (terzo periodo)

Questo stile coincideva con lo stile architettonico, sviluppatosi nel I secolo a.C. In questa fase si eliminano gli effetti architettonici e si dà maggiore rilevanza ai dipinti con paesaggi e figure.

Di conseguenza, la preoccupazione per la prospettiva è stata diminuita e il numero di elementi decorativi è aumentato. Lo stile ornamentale cessò di essere praticato con l'arrivo al potere di Nerone.

Illusione architettonica (quarto periodo)

Si trova a metà del I secolo a.C. C. e ha lavorato come sintesi degli altri stili precedenti. Pertanto, nel quarto periodo dominava una scenografia fantastica dove motivi immaginari o mistici si mescolavano a spazi architettonici.

Alcuni autori affermano che si trattasse di un barocco concettuale, sebbene il termine sia anacronistico, poiché attraverso gli spazi si cercava di provocare illusioni ottiche. Il rilievo di questi dipinti è stato ottenuto mediante l'uso di stucchi.

Questi esemplari potrebbero essere conservati sia a Roma che a Pompei e mantenere una certa influenza dell'arte egizia.

caratteristiche

- I pittori romani si sono concentrati sulla raffigurazione di temi mistici e storici, nonché paesaggi ed elementi naturali.

- A causa dell'influenza dell'arte greca ed egizia, la pittura romana ha mantenuto un certo ieratico nelle sue figure. Cioè, rigidità e immobilità. Inoltre, l'unione con gli elementi architettonici accentuava il carattere scultoreo e immobile delle figure.

- I colori più utilizzati erano il rosso e il nero. Tuttavia, hanno anche usato alcune verdure. È importante aggiungere che ai pittori romani non piaceva mescolare i colori, quindi i toni erano piuttosto puristi.

- Le pitture sono state realizzate ad affresco, il che ha compromesso la loro conservazione nel tempo. Inoltre, la maggior parte delle opere manca di paternità.

Argomenti trattati

I temi centrali dei dipinti romani erano la religione e la storia. Pertanto, le loro rappresentazioni erano costituite da eventi della mitologia romana e importanti eventi storici, bellici e politici.

Tuttavia, durante gli scavi nelle rovine di Pompei ed Ercolano, gli archeologi hanno trovato interessanti dipinti raffiguranti scene erotiche. Queste immagini sono state utilizzate per decorare le terme della città e sono servite come riferimento per i ricercatori per conoscere le usanze sessuali del tempo.

Allo stesso modo, i vasi trovati sono stati decorati con azioni della vita quotidiana, il che ha permesso ai ricercatori di fare un approccio straordinario all'organizzazione sociale di questa antica civiltà. Ad esempio, a volte venivano rappresentati festival e matrimoni, così come alcuni mestieri come la scrittura o l'ebanisteria.

I vasi trovati erano decorati con azioni della vita quotidiana. Fonte: pixabay.com

Opere in primo piano e autori

Come accennato nei paragrafi precedenti, la maggior parte dei dipinti romani manca di paternità. Ciò potrebbe essere accaduto a causa dei problemi che i pittori hanno dovuto affrontare nella conservazione dei loro pezzi, il che ha sminuito il lavoro artistico.

Per questo stesso motivo, i romani apprezzavano di più le sculture, poiché erano più resistenti nel tempo e richiedevano uno sforzo maggiore.

Sebbene il nome degli autori sia sconosciuto, archeologi e ricercatori sono riusciti a salvare le seguenti opere:

Matrimoni aldobrandini

Si tratta di un dipinto ad affresco eseguito probabilmente al tempo di Augusto ed è considerato il più importante esemplare artistico degli scavi di Pompei. Fu rinvenuto nel 1606 nei pressi del monte Esquilino, già giardino Mecenas.

Nell'opera puoi vedere un trittico che è diviso da due colonne e in cui compaiono dieci caratteri. Al centro del dipinto c'è la sposa, che indossa il tipico velo da sposa. È accompagnata da una donna con il petto nudo, che presumibilmente potrebbe essere la personificazione della dea Afrodite.

A sinistra, c'è una giovane donna che mescola oli profumati, che serviranno per ungere il corpo della sposa. A destra, lo sposo è seduto su un palco accompagnato da tre giovani, che fanno offerte e cantano.

Il dipinto fu acquisito dal caderno Aldobrandini, che diede il soprannome all'opera. Successivamente fu acquistata nel 1812 dal banchiere Vicente Nielli, che poi la cedette ai Musei Vaticani.

Parigi a giudicare le tre dee

In questo affresco è rappresentata la storia mitologica di Parigi e delle tre dee. In questa storia si dice che la dea Eris - personificazione della discordia - lasci una mela d'oro al matrimonio di Peleo con la frase "per la più bella".

Le dee Era, Afrodite e Atena iniziano a disputare sulla mela e, per porre fine al conflitto, Zeus decide di scegliere un giudice per decidere quale delle tre possiede la grande mano. Per questo, è stato selezionato Parigi, che era il principe di Troia.

Le tre dee cercano di acquistare il principe con doni diversi, ma alla fine Parigi sceglie Afrodite, che gli aveva promesso l'amore di Helena, la donna più bella del mondo. Tuttavia, Helena era sposata con il re Menelao, che alla fine innesca la vendetta del re e si traduce nella famosa guerra di Troia.

Si tratta di una rappresentazione semplice e ieratica, dove si vede Parigi seduta su una roccia che osserva le tre dee: Afrodite esce nuda, mentre Atena porta la sua arma e lo scudo; Hera conserva la tipica toga delle mogli

Riferimenti

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